YOKOYAMA Misao (1920- 1973), fort de sa passion pour l’art et de son idéal exigeant, a ouvert la voie à une nouvelle peinture japonaise. KAYAMA Matazô (1927-2004) et son style si original en a sublimé la fibre. Alors que le rideau tombe sur la 2e guerre mondiale, et que les échelles de valeurs se métamorphosent certains ont pu parier sur le déclin de la peinture japonaise. Les deux peintres ayant pressenti ce danger n’ont de cesse de traverser ces temps difficiles à la recherche de nouvelles formes. Conjointement à leurs créations artistiques, ils ont à cœur transmettre leur passion à leurs étudiants de l’université de Tama. La mort vient cueillir YOKOYAMA dans la force de l’âge. KAYAMA perd un camarade, et dans son cœur et dans celui des étudiants restent gravés cette tristesse et ces pleurs.

Alors, doyen de l’institution, MASHITA Shin’ichi (1906-1985) explique aux étudiants plongés dans l’affliction le potentiel de l’Infini, dans leur recherche de la vérité. Ce philosophe d’exception, malgré les pressions qui ont pesé sur lui pendant la guerre, n’a jamais cessé de croire à la paix et au silence des armes.

« Recherche de la vérité » tels sont les mots gravés sur la tombe de MASHITA

•YOKOYAMA Misao（1920-1973）

Il a 20 ans lorsqu’il se retrouve sur le champ de bataille. Fait prisonnier à la fin de la guerre, il travaille dans des mines de charbon et est démobilisé en 1950. De retour au Japon, il se remet au travail, et produit de nombreuses œuvres empreintes de mélancolie ainsi que des créations brutes où la passion et la rage semblent figées par le destin. Alors qu’il se dévoue corps et âme à son travail et à son enseignement, il est subitement atteint par une embolie cérébrale qui le laisse hémiplégique. Sa force d’âme le fait se replonger dans son travail, il saisit désormais son pinceau de la main gauche et continue de peindre des paysages limpides pétris de vie. Il décède 3 ans plus tard.

On se souviendra longtemps de ce cri lancé au ciel qu’il a inscrit dans son ouvrage « Quel avenir pour le Nihonga? »

•KAYAMA Matazô (1927-2004)

Ses œuvres de jeunesse s’inspirent des compositions de Bruegel, et dans ses motifs de kimono, ses poteries, ses gravures, ses lavis, ses paravents de style Rinpa, cet artiste repousse les cadres, dépasse les genres et revisite les formes traditionnelles du Nihonga. Se remettant sans cesse en question il multiplie les œuvres, scrute le temps qui passe comme s’il sentait sur lui le regard de feu YOKOYAMA Misao. Au crépuscule de sa vie, il reçoit la plus haute distinction pour un artiste au Japon, « l’Ordre du Mérite Culturel ». Son immense fresque de céramique ornant les murs de l’aéroport de Narita, est comme une invitation faite à tous les visiteurs étrangers de découvrir le Beau à la japonaise.

1. Histoire de la peinture traditionnelle japonaise

« Nihonga » est une appellation créée à l’époque Meiji pour décrire des peintures qui, en contraste avec la peinture occidentale, relèvent d’une influence typiquement japonaise. Au Japon, ce style pictural que l’on retrouve dans les Kofun de Kitora et de Takamatsuzuka (tombes du VII-VIIIe s située près de Nara) ou encore dans le temple de Hôryû-ji, aurait plus de 1300 ans d’histoire. Ce type de fresque est très empreint des influences chinoises et coréennes mais avec le temps les matériaux employés ainsi que le style ont évolués pour donner naissance à une forme artistique et à une esthétique uniques, adaptées au contexte de l’archipel.

Il ne s’agit pas seulement de motifs décoratifs typiquement japonais comme ces ornements stylisés incrustés dans les fusuma (portes coulissantes) ou dans les paravents, mais aussi de rouleaux, et rouleaux suspendus si pleins de grâce, l’influence d’autres traditions est discrètement sensible; tout au long de sa longue histoire, le Nihonga s’est épanoui, laissant éclore ses caractéristiques propres.

Les motifs et les matériaux sont adaptés aux lieux, supports ou saisons, Le Nihonga est aussi un creuset où se fondent esthétique et savoir-vivre au quotidien.

2.Procédés du Nihonga

L’artisan est au cœur de cette tradition artistique japonaise, il est la clef de voûte du Nihonga. Ses instruments sont la feuille de papier, le pinceau, les pigments etc.; son art est au confluent des techniques artisanales, du paysage culturel et du précieux environnement naturel du Japon.

・Le papier

Le papier japonais « washi » est fait de longues fibres végétales, de feuilles d’arbres broyées à la main, il a pour particularité d’être très résistant, difficilement déchirable, et pourtant léger et flexible. Ce type de papier n’est pas le seul support utilisé en peinture japonaise, de fines feuilles dites « akashi » sont également usitées pour parer des boites en or, argent ou en platine. Il existe donc différentes sortes de papier (signalons par exemple ceux appliqués pour entoiler et renforcer les œuvres.)

・Les couleurs

Les couleurs sont fabriquées à partir de substances naturelles. Le bleu est tiré du lapis-lazuli, le blanc est obtenu à partir de coquillages concassés, l’encre et la feuille d’or sont également employés. Les pigments sont triées, selon les teintes et la finesse de la poudre (il existe 16 tailles de grain) mais aussi selon leur transparence leur composition ou leur affinage.

・La colle (nikawa)

Faite à partir de collagène extrait de la peau et des os de lapin, de sanglier, de cerf ou de bœuf elle sert à fixer les couleurs ou à farder les feuilles d’or. Elle est souvent préparée par adduction de poudre de coquillage ce qui permet d’enrayer le processus de décomposition. C’est en la comparant au grain de la peau d’une femme, que les spécialistes évaluent la qualité des colles

・Les pinceaux

Les poils des pinceaux sont d’origine animale, leur souplesse et leur finesse diffèrent en fonction de l’animal ou de la partie du corps dont ils sont tirés. Les pinceaux sont faits à la main, en utilisant de préférence la pointe du poil. Naturellement hydrofuges et souples, il s’agit de magnifier ces propriétés afin de maximiser leur trempe et leur élasticité. Entièrement réalisés à partir de matériaux naturels les pinceaux sont très résistants, on dit que leur longévité est même supérieure à celle des êtres humains.

3.Esthétique

Le « Nihonga » est un ensemble de techniques traditionnelles, c’est aussi, une manière fondée sur une esthétique particulière.

Plutôt que de parier sur l’effet visuel, disons qu’elle repose sur la conception japonaise visant à distiller un « esprit » (seishinsei).

・Beauté de la marge

Encore appelée la beauté du vide, cette esthétique créé des laps d’espace et dégage volontairement des vides afin de mettre en valeur et de rendre signifiant une partie du sujet. Elle laisse ainsi place à l’imagination, le spectateur pouvant librement se figurer ce qu’il advient hors du cadre de l’œuvre, comme on « lit entre les lignes » dans le cas d’une œuvre littéraire.

・La beauté de l’inachevé.

Lorsqu’une œuvre est encore inachevée, il est possible de l’imaginer dans sa perfection. On se rappelle le défunt devant une œuvre inachevée du vivant de l’artiste et le degré d’accomplissement de l’œuvre nous fait ressentir la brièveté de la vie. C’est ce qu’on pourrait appeler la « beauté des marges temporelles ».

・La Beauté du « Funyoi », de l’involontaire et du fortuit

Cette expression est le titre d’un ouvrage écrit au fil du pinceau par l’essayiste, Grand Chambellan de l’Empereur Shôwa, IRIE Sukemasa (1905-1985). Pour IRIE, le funyoi correspond à ce qui n’est pas accompli à dessein, ce qui échappe à l’action de la volonté. Il parle dans son ouvrage d’ « une beauté empreinte de fortuité », ce concept, qui dépasse le domaine artistique, nous semble particulièrement évocateur. Il attire ainsi notre œil sur la beauté des formes créées ou produites par des phénomènes naturels, une esthétique du vivant émergeant dans la Nature et dans nos sociétés civilisées.